（１）Turning Of The Tide
（２）Gypsy Love Songs
（３）Reckless Kind
（４）Jerusalem On The Jukebox
（５）I Still Dream
（６）Don’t Tempt Me
（７）Yankee, Go Home
（８）Can’t Win
（９）Waltzing’s For Dreamers
（10）Pharaoh

「ブリティッシュ・フォーク」とか「ブリティッシュ・トラッド」という音楽ジャンルについて多くの日本人はピンとこないに違いない。代表的なバンドといえばフェアポート・コンヴェンション（Fairport Convention)とペンタングル（Pentangle）が出てくるけれど、その名前すら聞いたこともない人がほとんどだろう。

先日この日記で、先月に来日したのを知らなかったと思ったら震災の影響で中止になっていた、とワーワー騒いでいたリチャード・トンプソン（Richard Thompson)がプロとして出発したのはそのフェアポート・コンヴェンションのギタリストとしてであった。そういうジャンルの人なのでこの国における知名度もかなり寂しいものがある。mixiのコミュニティの参加人数は３００人にも達していないし、日本版ウィキペディアにいたっては彼の項目すら存在しないのだ。

私が彼の名前を知ったのは高校生の頃だった。当時（９３年代前半）はまだ雑誌などで音楽についての情報を割と熱心に集めていた時期で、「ミュージック・マガジン」あたりで彼の名前を知ったのだと思う。ただ、具体的に彼の何について興味を持ったのかどうかははっきりと覚えていない。フェアポートなど英国のフォーク・ミュージックに関心を持ったのかもしれないし、このころ彼のプロデュースを手掛けていたのが９０年代に活躍していたミッチェル•フルーム（シェリル・クロウやロン・セクスミス、Bonnie Pinkなどと仕事をしている）だったことも関係あったような気もする。それはともかく、英国にリチャード・トンプソンという何か凄いミュージシャンでありギタリストがいる、ということが自分の頭の中にいつの間にか刻まれていたのは間違いない。

ただ、高校まで私が住んでいた北海道登別市には、トンプソンやフェアポートのCDなど手に入らなかった（フェアポートは当時、国内盤は廃盤していたと思う）。しかし翌年（９５年）に大学受験を失敗し浪人生活のため札幌に来たおかげでトンプソンを始め様々な作品が手軽に手に入るようになる。この「アムニージア」（Amnesia）もその時の１枚で、中古CDショップで８８０円か９８０円か、ともかく３桁の値段で置いてあったことをよく覚えている。こういうものを「掘り出し物」というのだろう。

９３年に出た３枚組アルバム「ウォッチング・ザ・ダーク　ザ・ヒストリー・オブ・リチャード・トンプスン」（これも札幌の古本屋で買った）は名前の通りトンプソンの６９年～９２年の軌跡をたどった作品であるが、その解説でグリール・マーカス（アメリカの音楽評論家）がトンプソンの音楽についてこのようなことを書いている。

＜トンプスンの曲と演奏を時間の経過とたどってみても、発展、成熟、洗練といった感覚は殆どあるいは全くない＞

そして「ヴァン・モリスンやニール・ヤングと並ぶ、たぶんトンプスンは数少ない真のポップの似た者同士」とも評していた。ニールやヴァンも大好きな私としては実に嬉しい讃え方である。ちなみにこの３人は私にとっての「３大ソング・ライター」でもある。それはともかく、確かにこの３枚組CDなどでトンプソンの歴史を追ってみても、フェアポート時代から最新作（２０１０年）まで彼の音楽には一貫したものが流れていることをなんとなく感じられる。

トンプソンが在籍していたフェアポート・コンヴェンションというバンドは、当初ボブ・ディランやレナード・コーエンといったアメリカのミュージシャンをカバーしていたけれど、６９年に出した３枚目のアルバム「アンハーフブリッキング」（Unhalfbricking）において大きな転機を迎える。英国の伝承音楽（フォーク・ソング）だった「船乗りの生涯」（A Sailor’s Life）を取り上げたのが大きな評判を呼んだのだ。「フォーク・ロック」という音楽ジャンルはディランが産みの親の一人と言われている。私には未だにこの音楽の定義がさっぱりわからないけれど（そんなことをいったらフォークもロックも同じかな）、しかしフェアポートに関していえば、電子音楽で伝承音楽を演奏するという非常にわかりやすい意味での「フォーク・ロック」という音楽を作ったグループである。

そんなフェアポートにいたトンプソンの音楽は、基本的に英国のフォーク・ミュージックに根ざしたものだといって差し支えないと思う。彼を一つの音楽ジャンルに押し込むには無理な存在であることは重々承知している。たとえば９４年に出たトンプソンのトリビュート•アルバム「ビート•ザ・リトリート〜ソングス・バイ・値チャード・トンプソン」に参加したミュージシャンはロス•ロボス、R.E.M、デヴィッド・バーン、ボニー•レイット、ブラインド•ボーイズ•オブ・アラバマ、ダイナソーJRなど実に多彩な顔ぶれとなっている。トンプソンの音楽を「オルタナティブ」と称していた人もいたけれど（本人もインタビューでそう言っていたような）、その一方で彼のどの作品の中にも英国フォークを感じる部分が消えたことはない。

８８年に出たこの「アムニージア」は、パッと説明しただけではピンとこないトンプソンの音楽が実に伝わりやすい形に収まった傑作である。この次に出る「フィール・ソー•グッド」（９１年）はグラミー書の候補になり商業的成功もおさめた作品であるし、その次の「ミラー•ブルー」（９４年）も素晴らしいけれど、個人的にはやはりこのアルバムの方が愛着は強い。どうして自分がこのアルバムが一番好きなのか。その理由を色々と自分で考えてみたけれど、やはり”Waltzing’s For Dreamers”を始め、”Reckless Kind”や”I Still Dream”、など叙情的なメロディーのある楽曲が並んでいるからという気がする。この辺りを聴いてもらえれば、彼が作曲家としても優れているかを感じてもらえるだろう。

アルバムの随所にはアラブとか中近東を連想させるメロディーが飛び出してくる。そんな雑多な音楽性が「オルタナティブ」といわれる所以だが、音楽に詳しくない方でも聴いてもらえば、確かにそんな感じだなと思う音になっている。トンプソンの音楽がいかに幅広いジャンルからできているかもパッと伝わるかと思う。ちなみに彼ははイスラム教の信者で、スーフィズム（イスラム神秘主義）を信奉している。その辺の影響も音楽に出ているのではないだろうか。

ヴォーカルについては独特で音域も狭く、多くの人に好かれるようなものではないろう。私なりに表現すれば、熱にうかされているような、そんなフラフラした印象を受ける声である。もっと露骨にいえば、しょっちゅう聴きたくなるような性質ではない。彼が商業的にあまり成功していないのも、当然といえば当然な気がしてくる。当のトンプソン自身も歌うのはあまり好きではないようだが。

しかしながら繰り返し聴いているうちに、じわじわと伝わってくる凄みのある声ではある。例えば”Can’t Win”（この曲は「塔が崩れ落ち、バッタが大地を襲うだろう」などと、歌詞も不吉なフレーズが満載だ）で垣間見える不気味なほどの迫力に接しているうちに、このミュージシャンがどれほど底知れない才能の人なのか気づくだろう（本当のところ、ライブを観てもらえば一発でわかるのだが）

もしトンプソンの作品でおすすめは？と訊かれたら、このアルバムを真っ先に挙げたい。フランク•ザッパやヴァン・モリソンと同様、「駄作が無い人」と言われるトンプソンに対してあまり下手なことを言うのは躊躇してしまうが、少なくともこのアルバムが一番良いといっても反発は起きないと信じている（日本で数少ないリチャード・トンプソンのファンを邪険にするなんて事は無いですよね？）

日本盤はとっくの昔に廃盤となっているけれど（たぶん８８年に出たきり再発はされていない）、現在はiTunesストアで音源を買うことができるようになっている。もし興味があればそこで手にいれてもらえればと願う。

先日、同志社大学の構内に入る自転車は許可シールが必要なことを日記で書いた。しかし、自転車の数が多いためろくに取り締まられていないため、私は構うことなく自転車で大学に通っていた。

今日も朝から大学を訪れていた。そして昼過ぎに河原町三条の「丸亀製麺」に行こうと自転車に戻った時、画像の紙が自転車のサドルに張り付けられていた。どうやら大学当局は取り締まりに対して少し本気になってきたようだ。私の日記を誰かが見たとか？そんなことはないか。

どうして外部の自転車に対して神経質になったのだろう。そのはっきりした理由はしらないけれど、私の頭で考えつくことといえば放置自転車の対策あたりだろうか。しかし自転車を整理している係の人は３人くらいしかいないのに、こんな但し書きを自転車に張るクソみたいな作業をさせられているのは気の毒で仕方ない。

このまま自転車で通い続ければ自転車そのものをどこかに撤去させられるかもしれない。行く場所が見つかるまでは通うつもりだったので（笑）、なんだか面倒な話になってきた。

同志社大学今出川キャンパスに通っていて自転車を使用していない学生さん、シールを提供してくださいませんかねえ。多少のお礼はさせてもらいますよ（笑）

考えてみれば、大学に限らず京都市内は自転車を止めづらくなった気がしてならない。たとえば河原町御池の周辺では有料の駐輪場が多くなってきている。さきほど書いた丸亀製麺に行くときもその駐輪場（３時間以内は１００円）に止めた。パッと食べて戻ったら、まだ無料時間の３０分を超えてなかったのでタダで自転車を引き上げることができた。別に狙ったわけではないが、なんだか得をした気分である。

「夏至・冬至、夜の８時から１０時の２時間、みんなでいっせいにでんきを消しましょう」

こんな呼びかけのもと、街中にたくさんのローソクをともすイベント「１００万人のキャンドル・ナイト」は今年で１２回目を迎えるという。大阪だけのものかと思ったら、全国の津々浦々でおこなわれている。

公式サイトはこちら。
http://www.candle-night.org/jp/

個人的にはあまり興味をひかない内容ではあるが、関連イベントの一つ「Twinkl Love Live」でBONNIE PINKが出演するというので、阪急電車に乗って大阪へ向かった。会場の西梅田公園には６時前には着いたが、開演の７時までまだ時間がある。すでにステージ前に陣取っている人が２０人くらいいたけれど、地べたに座って待つのもキツい。そこで少し時間をつぶして開演２０分前くらいに場所を確保した。コンクリートの地面に座るとお尻が痛い。長時間続けていると痔になりそうだ。

することもないので会場の様子を撮影してツイッターで投稿などしていると、BONNIE PINKの公式アカウントからこんな情報が飛び込んでくる。

＜今夜のTwinle Love Liveスケジュール、再度発表！
19:00〜タテタカコさん/
19:40〜カジヒデキさん/
20:20〜リクオさん/
21:00〜ボニーピンクさん。です。お楽しみに！#candle_o＞

うそお。BONNIEの最後は登場なの？彼女を観たらスッと帰ろうと思ったのに完全に予定が狂ってしまった。近所で酒でも飲んで９時前に会場に戻ろうかとも一瞬は思ったけれど、後ろを観るとけっこうな人が集まっている（２０００人くらいはいただろうか）。これはもう、イボ痔になろうが切れ痔になろうが、BONNIEのライブが終るまで離れるわけにもいかない。そうして午後７時を迎える。

上のタイムテーブルを見て、正味の演奏時間は３０分と舞台転換が１０分という割り振りかなと予想をした。しかし１組目のタテタカコは４０分みっちり歌ってしまった。続くカジヒデキも同様だった。失礼ながら、最初の２組はまるっきり興味がなかったので、コンクリートの上での鑑賞はなかなか辛いものがあった（特にお尻が）。さらに失礼ながら、カジヒデキは今年で４４歳という年齢だが、あの短パンなどの格好はどうなんだろう、と思った。

続くリクオについては、今はなき梅田バナナホールで観たことがある（BONIIEがゲストで出たのがライブに行った理由だが）。あの時は非常に楽しいライブだったけれど、今夜も一見の観客も飲み込んでしまうステージを展開した。年間に１５０から２００本も色々な場所（寺とか教会や公民館など）でライブをしているという経験がなせる業だろう。

この日も演奏していた”パラダイス”の動画がyou tubeに存在するので、ぜひ観ていただきたい。彼の凄さの一端を感じることができると思う。
http://www.youtube.com/watch?v=nST25qq4ImE&feature=feedf

リクオの演奏が終って午後９時１５分を回ったころ、目当てのBONNIE PINKが登場する。さあ何か歌うのかと思ったら、リクオとウダウダ話し出してなかなか始まらない。２人でスタンダードの”Over The Rainbow”を共演してからも終始同じテンションでこのイベントや震災について自分の思いをグダグダと述べていた。喋らなかったらもう１曲くらいできただろう。こっちはお尻がもう限界だぜ。

奥野真哉のキーボードをバックに演奏したのは、

（１）Many Moons Ago
（２）Wildflowers
（３）ナミナミ
（４）The Sun Will Rise Again
（５）流れ星

というものだった。去年出たアルバム「Dear Diary」（１０年）から３曲と、震災後に作った”The Sun Will Rise Again”という、想定内の構成ではある。ただ、”Wildflower”はけっこう久しぶりに聴いた。以前は執拗なくらいにステージで演奏していた気もするが・・・。”Heaven’s Kitchen”をやらなかったことは、評価するべきか（笑）

歌についていえば、それなりに声が出ていたかなという印象。ただキーボードだけの”ナミナミ”は少し無理があったか。こういうアレンジで演奏することはもうないと思うので貴重かもしれないけれど。内容自体は悪くなかったと思う。

しかしながら、見上げれば国道に車が走り、演奏中に救急車や消防車のサイレンが聴こえてくるという環境は果たして良いものなのだろうか。個人的にはあまり好みではないけれど、キャンドルだらけのステージと合間って不思議な空間を演出していたのは間違いない。

最後はリクオの演奏でザ・タイマーズの”デイドリーム・ドリーマー”を出演者全員で歌い終了。予定終了時間の１０時を大幅に回っていた。

座り続けて約３時間半以上。もしこれから痔にでもなったら、原因は確実にこのライブである。

相変わらず京都には新しいラーメン店が毎月どこかに開店している。しかしながら一時（だいたい１０年ほど前）のラーメン・ブームのようなものは陰をひそめたような気がする。最近で話題になったことといえば「つけ麺」の登場くらいだろうか。そのつけ麺も世間では定着してしまい、それ以後は特に目立った動きもない。関東あたりから人気店がやってくることもたまにあるものの、京都で商売をするのは勝手が違うのか、早々と撤退した事例も数多い。

そんな印象の昨今のラーメン事情であるけれど、これは結構な話題になると思われるのが本日開店した「一蘭」である。

一蘭は昭和３５年に福岡県で創業された豚骨ラーメン専門店だ。九州と関東を中心に３０店舗を展開しており、京都は大阪に続き関西圏で２件目の出店となった。

公式サイトはこちら
http://www.ichiran.co.jp/index.html

この店は個性的なところがたくさんある。最も有名なのは、席が一人分ずつ仕切られているあの「味集中カウンター」（特許をとっているそうな）だろう。また、スープの濃さや麺のゆで加減などを事細かに書いて注文する「記入式オーダーシステム」、ラーメンを出す店員とお客が顔を合わせない店の構造など、挙げていったらキリがない。ともかく、ラーメンマニア以外の人にもよく知られている有名店なのだ。

公式サイトを覗くと、本日の１０時に開店し開店前に並んだ人には先着で記念品が当たるという。することもないので、９時に自転車をこいで河原町のお店まで向かった。平日だしそんなに人もいないだろうとタカをくくっていたら、写真のような光景で少し驚いた。私の前は５０人くらいはいたのではないだろうか。私も列に加わりまっていたら後ろもどんどん伸びていく。寺町通の近くまで行っていたような気もする。店に入れるまで３０分くらいかかっただろうか。どうせ近いうちに行くつもりだったから、これくらい待つのは自分にとっては許容範囲である。

これほど人が来るのを考えると、安定した営業を続けていたらそれなりに成功しそう。しかし、一風堂といい一蘭といい、豚骨ラーメンは京都の人に好かれる要素を何か持っているのだろうか。それがどうにも私には不思議でならない。

ところで、店に行ってみようと思っている人に対しては、秘伝のタレ（中心に浮いている赤いタレ）とニンニクがかなり効いているので少なめにした方が良いですよ、と言いたい。「記入式オーダーシステム」を書く時に調整できるので最初はそうした方がいい、と思う。

「２ちゃんねる」などの掲示板で、

「お前、ゆとりだろ」

という悪罵が飛ぶのを見かけたことがある。「ゆとり」とは「ゆとり教育を受けた世代」という意味で、頭が足りなそうなコメントに対してかけられる言葉だ。学習塾の日能研が電車の中吊り広告で展開した、

「ウッソー!?半径×半径×3」

という円周率の簡略化を始め、学校教育の内容がかなり薄っぺらになるということで「ゆとり教育」が世間に注目された。

１９７６（昭和５１）年に生まれた私はもちろん円周率は「3.14」と教えられてきた。だからというわけでもないけれど、下の世代で出来の悪そうな人間を見つけたら「ゆとり」または「ゆとり風」と言ってバカにしていたものだ。しかし本書を読んで非常に衝撃的な事実を知った。それは「ゆとり教育」なるものが実施されたのは１９８１（昭和５６）年にまでさかのぼるということだった。ということは１９８３（昭和５８）年に小学校へ入った私も、すっかり「ゆとり教育」を受けていることになるではないか。

個人的には、「あの時代の人間は・・・」、などというような世代による分類の仕方はしていないつもりだが、今の２０代で出来が悪いわりに生意気な奴（アイツとか、アイツとか）に対しては、「アレはゆとりだな」などと半分冗談、半分本気で言っている時がある。いや、そんなことをいってこみ上げる怒りを和らげようとしているのかもしれない。しかし自分も「ゆとり教育」の実施過程にいた世代だとしたら、下の連中をうかつにバカにできなくなってしまう。これは面白くない。

本書の「頭は必ず良くなる」というタイトルだけを見れば、学力はどのようにしたら伸びるか、というようなことが書かれた内容と思われるだろう。もちろんそうした話も出てくるけれど、日垣さんが脳科学者や長年教育現場にいた人などとの対談で構成したこの本は、「ゆとり教育」をはじめとした日本の教育政策がどのように失敗していったということが重大な話題になっているように私には読めた。

まず「ゆとり」という概念が生まれた背景を本書より紹介しよう。

＜日垣　７７年に全面改正された学習指導要領では、初めて「ゆとり教育」という言葉が出てきました。「受験戦争は悪であり、子どもを摩耗させる。受験戦争から子どもを救え！」という世論に押され、文部省（当時）の理論に「ゆとり」という発想が出てきたのです。７７年の改正により、学校での学習内容が３割も減らされました。２００２年には、学習内容がさらに３割も減った。現在では週休２日制が実施され、「総合学習（総合的な学習の時間）」という授業がスタートしています。７０〜８０年代に比べると、学校の授業はおよそ半分になってしまいました。例えば、中学英語では１００個しか単語を覚えなくてよく、台形の面積など計算できなくても良いということになってしまった。＞（P.223）

こうしてまず中学校では週４時間「ゆとり」の時間が新設され、英語の授業が週４時間から３時間となる。授業の削減はどんどん進み、２０年の間に中学校の年間授業時間が１０００時間（！）も少なくなってしまったのである。私が中学生だったのは８９年４月から９２年３月までの期間だが、この時点ではどれほど学習時間が減っていのだろうか。考えてみると嫌な話である。

学習時間や内容の細かいことを列挙するとキリがないけれど、当時の文部省の政策には、受験戦争や詰め込み教育が悪であるという考え方が根底にあった。だが「受験戦争」が子どもに悪い影響を与えているのだろうか。いやそもそも「受験戦争」なるもの自体がそもそも存在していたのだろうか。本書ではそのあたりに疑問を呈している。

＜日垣　（中略）６５〜７５年には、文字どおり”受験戦争”がありました。ところがこの時期、実は少年犯罪が激減しています。受験戦争と少年犯罪の減少に、相関関係があると断言できません。しかし現実として、数字の上で少年犯罪は完全に減っています。＞（P.214）

これを受けて精神科医の和田秀樹さんが、

＜和田　６０年代の中ごろから８０年代の中ごろは、世界的に「子どもを自由にしよう」という機運がある時代でした。アメリカでは、「カフェテリア方式」といいまして、好きな科目だけをとって単位が足りたら卒業ができたり、校則をどんどんなくしたり、自主性を伸ばす勉強の仕方をどんどん導入していったのです。イギリスも同様です。日本で受験戦争が起こっていた時代に、欧米では逆に子どもを自由にしていた。そのときに不思議な現象が起こりました。ルールがゆるくなったのですから当然ですが、欧米で少年犯罪が増えてしまったのです。子どもの自殺率もものすごく増えました。アメリカでは１５〜１９歳の自殺率が、なんと３倍にも増えてしまいました。＞（P.215）

皮肉な話だが、受験勉強の厳しかった時代の日本では少年犯罪が減少し、子どもを自由にさせた欧米は犯罪と自殺が激増したという歴史がある。この事実をどう受け止めたらいいのだろう。個人的には、まだ精神的に不安定な時期の子どもに何も方針を与えず野放しにして良い結果が出るというのはあまりにムシが良すぎる話だと感じる。子どもの自主性を尊ぶというならば、それを突き詰めると学校教育そのものが必要なくなるという話になってしまう。文部科学省が無くなるというなら、それはそれで結構かもしれないが。

そして、文部省がもう一つ決定的に見誤った点がある。それは、日本がアメリカの教育モデルを良いものとして手本にしてしまったことだ。宇多田ヒカルがコロンビア大学を入って中退した例など、アメリカの大学といえば「入るのは簡単で、出るのは難しい」というイメージで、日本の大学とは好対照で高いレベルの学力があると思われている。私もそう感じていたが、実際はそんな単純な話ではない。

＜日垣　（中略）アメリカの大学生は毎週大量の本を読んでいるとか、入学は楽だけれども卒業は大変だということについて、日本ではすごく良いことのように受け止められてきました。しかし、実際はそういうことではありません。アメリカは初等中等教育に失敗したので、大学で大量の詰めこみをしなければならなかったのです。当時の日本は、初等中等教育で詰め込み教育をやったことによって、アメリカよりもずっと成功していました。それなのに「アメリカに学べ！」と学校教育のカリキュラムを減らし、子どもたちの思考力を奪ってしまった。＞（P.236）

アメリカの初等教育の失敗は本当に酷いようで、読み書きのできない人が人口の１３％もいるという。そういう国を日本は手本にしているのだ。

日垣さんは、

＜人が何かを獲得するときに詰めこみなければ道は開けません＞（P.222）

と指摘している。誰でもこれまで生きたことを振り返れば、自然とそういう結論が導かれるだろう。

現在の文部科学省は果たしてどのような観点で教育政策を考えているのかはわからない。ただ、あと１点だけ気になることを最後に指摘したい。９２年に日本では「新学力観」というものが提唱された。簡単にいうと、点数で競争するのではなく、学習に取り組む姿勢を重要視するというものだ。これによって通知表のつけ方が変わり、たとえばテストの点数が良くても先生の話を聞いていないような生徒は評価が悪くなってしまう。教師の顔色をうかがうことも学習には重要になるわけだ。

また、文部科学省が押し進める「観点新評価」というものがある。生徒が先生からどう見られるか、友だちが多いかどうかといった側面まで重視されるという。友だちが多いかどうかといったら、私の評価は間違いなく「１」だろう（笑）。

それはともかく、こうしたものを眺めていると、文部科学省が子どもをどのように育てたいかがなんとなく見えてくる気がする。つまりは上に従順で協調性のある人間であろう。つくづく都合の良い話だと思う一方、学力や人間性などというものは簡単に作り出すことができないというのも一面の真実だろう。

日垣さんは、

＜アメリカは、自分で物事を判断するのではなく、まわりの人に合わせる典型の社会だと思います。日本もアメリカ型の社会を目指しながら、なおかつ教育や子育ての中心に子どもの自立を置いてきました。現在、学校教育には子どもの歯止め効果がなくなり、家庭での躾（しつけ）の能力も落ちてしまった。確固たる自分をもたず、ものすごくわがままで、人に合わせることだけに長けた子どもが大量に生まれてしまっています。＞（P.274-275）

私は子どもを持つこともないし、実のところ教育に対してそれほど関心があるわけではない。ただ、「確固たる自分をもたず、ものすごくわがままで、人に合わせることだけに長けた」人間は私の周囲にもちらほらいることを思うと、この国の将来ってどうなるのかなあと、ちょっとだけ暗澹たる気持ちにはなる。

一度ならず二度までも。昼過ぎに書店で「ミュージックマガジン」を開いた時に浮かんだのがこの言葉だった。ライブ情報のページとペラペラとめくっていたら、

ニック・ロウ

という名前が出てきたからだ。

ニ、ニ、ニ、ニック・ロウ？！

リチャード・トンプソンに続いて、またしても来日情報を逃していたのだ。あまりアンテナを張りめぐらしていないせいか、こうした大事な話が自分に最近は入ってこない。しかも会場は同じビルボードライブ大阪である。公演日が８月だから既にチケットは発売中だろう。

しかし、それほど私はバタバタしなかった。iPhoneからビルボードライブ大阪のサイトを覗いてみる。予想通りチケットは残っていた。

http://www.billboard-live.com/pg/shop/show/index.php?mode=detail1&event=7709&shop=2

以前にクアトロに来日した時もチケットは完売してなかったし、今回もおそらく大丈夫だろう。やはりそうだった。ちなみに東京公演は２日間あるのに完売だ。関西在住で良かった、良かった。

安心した私は部屋に戻ってから「ぴあ」のサイトでチケットを購入した。ビルボードライブという会場では１日２回公演をする。１回で１時間ほどしか演奏しないので、もちろん（？）私は２公演ともチケットを確保した。こういう時は頭がショートしてしまうので値段も何も見ないで買ってしまう。

だが、ニック・ロウのライブは本当に素晴らしい。私はこれまで３回（心斎橋クラブクアトロ、フジ・ロック・フェスティバル、ライ・クーダーとの共演）観ているけれど、もう破格の出来である（ライとのライブは刺身のツマのように影が薄かった）。リチャード・トンプソンとはまた違った面で素晴らしいステージを見せてくれること確実だ。

まだ関西の人たちにはチケットが残されている。８月１２日（金）は梅田のビルボードライブ大阪へ、ニックへの差し入れに日本酒を用意して出かけよう。

かつて大阪で、本物の人体標本を展示する「人体の不思議展」をおこなったときテレビのCMで、

「これが最後のチャンスやで」

としきりに言っていたけれど、私はニック・ロウの来日公演についてこのセリフを使いたい。なにせニックももう６２歳なのだ。これを逃したら本当にもう観れないかもしれないのだ。

「決算書は、わからなくたっていい！」

決算書についてのセミナーの冒頭で、著者の前川さんはホワイトボードに大きくこう書くという。これを見た参加者は一様に怪訝そうな顔をする。決算書が理解したいがためにセミナーに参加した人たちなんだから、当たり前といえば当たり前だが。

経理業務に関わってなくても、決算書くらい読めるようなりたい、と考えるサラリーマンは多いだろう。しかし色々と勉強をしてみても決算書の数字を理解できるようになる人は少ないらしい。それはなぜだろうか。公認会計士と税理士の資格を持つ著者はその理由をこう述べている。

そもそも決算書の細かい知識（会計学）はあくまで「決算書を作る人」にとって重要なものだ。しかし「決算書を読む人」は必死でこうしたことを勉強してしまう。これがボタンの掛け違いとなる。その結果、決算書を読むという所期の目的を達成できなくなってしまうのだ。

たとえば本書のP.87に大正製薬の貸借対照表が載っていて、いろいろな項目（勘定科目）がズラズラと載っている。「資産」を見てみると、

現金および預金 112,464
受取手形 594
売掛金 58,101
有価証券 2,000
商品 2,909
製品 9,623・・・

などと２０以上の項目が出てくる(数字の単位は百万円）。しかし「決算書を読む」ためだったらこの全てを覚える必要など、ない。これらの項目を合計した「資産」という「かたまり」の金額さえ見れば良いのだ。

決算書はパッと見れば数字と項目がゴチャゴチャと羅列しているけれど、大きな５項目（資産、負債、資本または純資産、費用、収益）で構成されているに過ぎない。そして、これら５項目の大小を比較することが「決算を読む」という行為に他ならない。

その比較についても、何も難しいことはない。本書のP.76ではポイントを２つに集約している。

（１）貸借対照表（試算表の上半分）
資産、負債、資本の大小を比較する。
この場合、なるべく負債が小さく資本が大きいほうが、財政状態が良好だといえる。

（２）損益計算書（試算表の下半分）
収益と費用の大小を比較する。
収益は費用よりも大きくなければならない。

こんなの簿記の初期段階で勉強しているぞ！と怒る人もいるかもれない。しかし、そういう声を想定したように筆者はこう続ける。

＜こんな簡単なことが最重要ポイントなのですから、あっけない話です。が、筆者の長年の経験によりますと、決算書を読むことを苦手にしている人というのは、たいていの場合、このような基礎的かつ根本的な知識を疎かにしていました。そのくせ、瑣末な勘定科目や経営指標を追いかけ、その結果、いたずらに決算書データを複雑化して読み、混乱してしまっているのでした。＞（P.77）

「木を見て森を見ず」という言葉がある。簿記を勉強していると社債とか減価償却費とか積送品売上とか雑多な知識をたくさん覚えなければならないけれど、そうしているうちに肝心なことは吹っ飛んでしまうことがしばしばだ。それが一番の問題なのだろう。

＜これは決算書に限ったことではないのですが、仕事でも勉強でも、何事も「対象物をいかに単純化して捉えるか」ということが大事です。＞（P.77）

この著者の指摘はまさに至言といえよう。

本書を読んだ後で試しに企業の決算書をいくつか調べてみた。そうすると、この会社は売上原価が低いために売上総利益（粗利）が大きいな、とか、この会社は負債（借金）の比率が高くて危ないかも、などという程度の分析（というほどでもないか）はできるようになった。

複式簿記は14世紀半ばのイタリアで生まれたもので、その形式は現在とほとんど変わっていない。19世紀のドイツの詩人ゲーテは小説「「ヴィルヘルム・マイスターの修行時代（上）」(山崎章甫訳、０１年。岩波文庫 ）で「人類最大の発明」と書いている。小さな商店から大企業に至るまで、その財務状況を１枚の決算書で表現することができる複式簿記は確かに優れた仕組みだと今更ながらに実感した次第だ。

著者は、決算書は比較してみないと面白くない、と繰り返し強調している。同じ会社を時系列に比較する、また同業他社どうしを比較してみることにより初めてその意味が見えてくるのだ。本書でもマイカルやNOVA（いずれも倒産した会社）など具体的な会社の決算書を挙げて説明しているところが非常に面白い。

本書を読んでみれば、いままで無味乾燥な数字の羅列にしか見えなかった決算書が違った印象に見えてくるだろう。これで７２０円（税別）ならば十二分に元がとれると言いたくなるほど、得るものが大きい本だ。下手な講演を受けるよりもまず本書を手に取ってもらえたらと思う。